1 film espagnol, 2 scènes cultes, Almodvar prêchait par l’exemple, ce qui a marqué Tarantino à l’époque du vidéoclub

Quentin Tarantino a souvent raconté que sa cinéphilie s’est forgée moins dans les écoles que dans les rayons des vidéoclubs, au contact d’un cinéma populaire, de séries B et de films d’auteur découverts au hasard des jaquettes. Dans ce récit fondateur, un nom revient avec une admiration singulière: Pedro Almodvar. Le cinéaste américain a expliqué avoir été frappé, à cette époque, par la manière dont l’Espagnol imposait une signature immédiatement reconnaissable, au point de prêcher par l’exemple, selon une formule rapportée par la presse spécialisée.

La scène est familière à toute une génération: un film loué un soir, un autre rendu le lendemain, et l’impression de tomber, sans préméditation, sur une uvre qui réorganise le regard. Ce que Tarantino décrit, c’est moins un simple coup de cur qu’un choc de méthode: la démonstration qu’un auteur peut faire du cinéma de genre, du mélodrame, de la comédie, tout en gardant une cohérence de ton et une liberté narrative. Cette influence, revendiquée rétrospectivement, éclaire aussi l’idée que la postérité d’un film échappe à son créateur, y compris quand celui-ci doute de son propre travail.

Cette logique traverse de nombreux témoignages de cinéastes: un film terminé dans l’urgence, jugé imparfait par son auteur, peut devenir une référence pour d’autres. L’histoire du cinéma est remplie de ces trajectoires obliques, où un long-métrage, parfois reçu de manière inégale à sa sortie, se met à circuler autrement avec le temps. Le cas d’Almodvar, dont l’uvre a connu une diffusion internationale progressive, s’inscrit dans ce phénomène: l’impact se joue dans les salles, mais aussi dans les formats domestiques, les catalogues de location, les copies vues et revues, puis commentées.

Le vidéoclub, matrice de Quentin Tarantino avant Hollywood

Le rôle des vidéocassettes dans la formation de Tarantino n’est pas un élément décoratif: c’est un cadre de pensée. Avant d’être un réalisateur consacré, il se présente comme un spectateur professionnel, capable de relier des films éloignés, de repérer des motifs, d’absorber des rythmes de dialogue. Dans ses entretiens, la période du vidéoclub sert de mythe personnel, mais aussi de rappel matériel: l’accès au cinéma passait par la disponibilité des titres, le bouche-à-oreille et la curiosité.

Ce contexte explique la puissance d’une découverte comme celle d’Almodvar. Dans un vidéoclub, un film n’est pas précédé d’un appareil critique, ni d’une hiérarchie institutionnelle. Il se présente comme un objet à essayer, parfois à l’aveugle. Pour un futur cinéaste, c’est une école de montage mental: on passe d’un polar à une comédie, d’un film d’exploitation à un drame, et les frontières esthétiques deviennent poreuses. Tarantino a bâti sa filmographie sur cette porosité, en assumant des références multiples et en travaillant la collision des registres.

Le cas d’Almodvar ajoute une autre leçon: la possibilité d’un cinéma à la fois populaire et radicalement personnel. Les intrigues du réalisateur espagnol, souvent centrées sur des passions, des identités, des familles recomposées, s’appuient sur des structures mélodramatiques accessibles. Mais la mise en scène, les couleurs, la direction d’acteurs, les ruptures de ton imposent une marque d’auteur. Pour Tarantino, qui revendique un cinéma d’écriture et de performance, cette cohérence formelle agit comme un modèle.

La circulation par la location a aussi un effet sur la mémoire: un film devient une expérience répétable. On le revoit, on le cite, on l’apprend presque par cur. Cette répétition, plus facile avec une cassette qu’avec une sortie en salle unique, fabrique des influences profondes. Dans cette perspective, l’hommage de Tarantino à Almodvar ne relève pas seulement du compliment: il raconte une manière de devenir cinéaste en regardant, en comparant, en recommençant.

Pedro Almodvar, prêcher par l’exemple selon Tarantino

La formule attribuée à Tarantino, prêcher par l’exemple, résume une admiration pour une pratique plutôt que pour un discours. Almodvar n’est pas présenté comme un théoricien, mais comme quelqu’un qui démontre, film après film, qu’une vision peut s’imposer sans demander la permission. Cette idée est centrale pour Tarantino, dont la carrière s’est construite sur un rapport direct au public et sur une confiance affichée dans la puissance du récit et du dialogue.

Ce qui frappe dans l’uvre d’Almodvar, c’est la capacité à faire tenir ensemble la flamboyance et la précision. Les personnages peuvent être excessifs, les situations proches du feuilleton, mais la mise en scène reste contrôlée. Le spectateur sent une main ferme sur le rythme, sur la musique, sur la couleur. Tarantino, lui, travaille une autre palette, plus sèche, plus référentielle, mais il partage cette conviction: une esthétique reconnaissable vaut manifeste.

Le propos sur l’impact imprévisible d’une uvre, souvent rappelé dans les récits de création, prend ici une dimension concrète. Un réalisateur peut finir un film avec des doutes, penser qu’il aurait fallu faire autrement, puis découvrir que l’objet circule, inspire, déclenche des vocations. Almodvar, dont certains films ont été perçus comme provocateurs ou trop singuliers à leur sortie, a vu sa réception évoluer au fil du temps, portée par les festivals, la critique internationale et une diffusion domestique large.

Dans cette dynamique, l’influence sur Tarantino fonctionne comme un indicateur culturel: elle signale qu’Almodvar n’a pas seulement touché un public européen ou cinéphile, mais aussi un futur pilier du cinéma américain contemporain. La reconnaissance entre auteurs, surtout quand elle traverse des industries et des langues, sert souvent de validation informelle. Elle ne remplace pas les chiffres du box-office, mais elle pèse dans la manière dont un film entre dans l’histoire, par capillarité.

Quel film a inspiré Tarantino, et pourquoi cette identification compte

La source citée évoque le film qui aurait inspiré Tarantino à l’époque du vidéoclub, mais sans fournir, dans l’extrait disponible, le titre ni la date de sortie. Cette absence est un point important: elle rappelle la fragilité des récits d’influence, souvent construits à partir de souvenirs, de citations reprises, de montages éditoriaux. Dans le traitement journalistique, la prudence s’impose: l’information solide tient dans l’idée d’une influence revendiquée et dans la formule attribuée, pas dans l’identification certaine d’un long-métrage précis sans vérification supplémentaire.

Pourtant, la question du titre n’est pas anecdotique. Si l’on sait quel film a servi de déclencheur, on peut comparer des éléments concrets: la gestion des dialogues, l’usage de la musique, la violence stylisée ou absente, la manière de filmer le désir, la place accordée aux personnages féminins. Tarantino et Almodvar ne racontent pas les mêmes histoires, mais partagent une attention au jeu, à la théâtralité, aux ruptures de ton. Le film exact permettrait de mesurer ce qui a été absorbé, transformé, déplacé.

Cette identification compte aussi pour comprendre la circulation des uvres à une époque précise. Dans les années d’or des vidéoclubs, certains films étrangers étaient accessibles parce qu’ils avaient trouvé un distributeur, un éditeur vidéo, un réseau de copies. D’autres restaient invisibles. Dire qu’un film d’Almodvar a marqué Tarantino à ce moment-là, c’est rappeler qu’il existait déjà une chaîne de diffusion transnationale, imparfaite mais réelle, qui mettait un auteur espagnol sur les étagères d’un commerce américain.

Enfin, l’enjeu touche à la construction de la légende Tarantino. Le cinéaste aime raconter ses influences, parfois en les hiérarchisant, parfois en les mélangeant. Le récit du vidéoclub est devenu une partie de son personnage public. Quand il cite Almodvar, il élargit aussi son panthéon au-delà des références attendues. Cela renforce l’idée que sa cinéphilie ne se limite pas au cinéma d’action ou au polar, mais inclut des formes plus mélodramatiques, plus émotionnelles, plus axées sur les relations.

Une influence qui dit quelque chose du cinéma d’auteur et de la culture pop

L’intérêt de cette filiation, au-delà de l’anecdote, tient à ce qu’elle raconte d’un moment de bascule: le cinéma d’auteur n’est plus uniquement un objet de cinémathèque, il devient une matière première de la culture pop. Almodvar, avec son style immédiatement identifiable, a contribué à cette transition. Ses films ont été commentés, imités, cités, parfois réduits à une palette de couleurs ou à un type de personnage, mais ils ont surtout montré qu’une signature pouvait être compatible avec une narration efficace.

Dans le paysage contemporain, cette compatibilité est devenue une norme implicite: on attend d’un auteur qu’il ait une patte, mais aussi qu’il sache capter l’attention. Tarantino, figure de l’auteur-star, incarne cette synthèse. Son hommage à Almodvar suggère que cette voie était visible plus tôt qu’on ne le croit, portée par des cinéastes qui ne séparaient pas le plaisir du style. Le vidéoclub, en mettant sur le même plan des uvres très différentes, a accéléré cette hybridation.

Le cas Almodvar montre aussi la force d’un cinéma centré sur les personnages, dans un marché souvent dominé par les concepts. Tarantino est connu pour ses dialogues et ses scènes de table, où la tension naît de la parole autant que de l’action. Almodvar, lui, construit des drames où l’aveu, le mensonge, la confession, la mise en scène de soi jouent un rôle central. L’influence peut se loger là: dans l’idée que la parole est un moteur, pas un remplissage.

Reste un dernier point, plus politique au sens large: la circulation des modèles. Quand un réalisateur américain cite un auteur européen, il reconnaît une dette qui contredit l’idée d’un centre unique de l’innovation cinématographique. Cette circulation est ancienne, mais elle est souvent invisibilisée par les rapports de force industriels. Le fait qu’Almodvar ait pu inspirer Tarantino au moment où celui-ci se formait, avant sa reconnaissance mondiale, rappelle que l’histoire du cinéma se fabrique aussi dans les marges, sur des étagères de location, à partir de choix individuels qui finissent par produire des esthétiques dominantes.